Krabbe significa cangrejo

Esta es una de las obras más representativas de Maurice de Vlaminck, un pintor francés clave en el movimiento fauvista. Esta pintura, un óleo sobre lienzo de aproximadamente 101 x 82 cm, captura un paisaje vibrante del río Sena en el suburbio parisino de Chatou, donde Vlaminck vivió y trabajó durante varios años.

Maurice de Vlaminck (1876-1958) fue una figura central del Fauvismo, un movimiento artístico de vanguardia que, entre 1904 y 1908, revolucionó la pintura europea con su uso audaz del color y pinceladas expresivas. Junto a André Derain y Henri Matisse, Vlaminck participó en la histórica exposición del Salón de Otoño de 1905 en París, donde los fauvistas fueron bautizados como «bestias salvajes» –fauves-por el crítico Louis Vauxcelles debido a la intensidad de sus colores y su ruptura con las convenciones académicas.

En 1906, año en que se pintó «El Río Sena en Chatou», Vlaminck estaba en la cima de su período fauvista. Tras un encuentro fortuito con Derain en 1899, ambos compartieron un estudio en la Île de Chatou en 1900, formando lo que se conoce como la «Escuela de Chatou«. Esta localidad, situada en el valle del Sena cerca de París, inspiró numerosas obras de Vlaminck, quien encontraba en sus paisajes ribereños un vehículo para expresar su pasión por el color y la espontaneidad. La compra de su obra por el marchante Ambroise Vollard en 1906 le permitió dedicarse plenamente a la pintura, lo que se refleja en el carácter exuberante y libre de esta obra.

La pintura también muestra la influencia de Vincent van Gogh, a quien Vlaminck admiraba profundamente, declarando una vez que lo amaba «más que a mi propio padre«. La pincelada expresiva y el uso de colores puros de Van Gogh se ven reflejados en esta obra, junto con ecos del Impresionismo, aunque Vlaminck rechazó el detallismo en favor de una representación más visceral y emocional

Composición y descripción visual

«El Río Sena en Chatou» representa una vista del río Sena desde un punto elevado, probablemente desde la Île de Chatou, mirando hacia el pueblo de Chatou con sus casas de tejados rojos en la orilla opuesta. La composición captura un paisaje dinámico con un cielo que sugiere movimiento, posiblemente con nubes de tormenta, reflejadas en la superficie del río. En el primer plano, una pequeña embarcación, posiblemente un «Chatou monotype» o un bote típico del Sena, añade un toque de vida al paisaje.

La pintura se organiza en torno a un foco central de luz que se expande hacia los laterales, creando contrastes marcados entre luces y sombras. Los colores primarios —azul, rojo y blanco— dominan la paleta, aplicados directamente desde el tubo en pinceladas cortas y fracturadas que recuerdan al Puntillismo, aunque con una energía más caótica y espontánea. Los verdes y azules representan el agua y el cielo, mientras que los rojos y naranjas dan vida a los troncos de los árboles y las casas. Los reflejos blancos en el agua añaden dinamismo, sugiriendo el movimiento de las olas. La composición es asimétrica, con una distribución de formas que guía la mirada desde el centro luminoso hacia los márgenes, donde los contrastes se intensifican. La pincelada gruesa, conocida como impasto, crea una textura táctil que refuerza la sensación de movimiento y vitalidad. La obra transmite una impresión de inmediatez, como si Vlaminck hubiera capturado el paisaje en un instante de inspiración

Simbolismo y significado

Aunque «El Río Sena en Chatou» es principalmente un paisaje, su intensidad emocional sugiere significados más profundos. Para Vlaminck, Chatou no era solo un lugar, sino una fuente de inspiración personal. Como residente, no como turista, su conexión con el paisaje era íntima, y la pintura refleja su amor por el lugar bajo diferentes condiciones de luz y atmósfera. El uso de colores vibrantes y pinceladas vigorosas puede interpretarse como una celebración de la vida y la naturaleza, pero también como una afirmación de la libertad artística frente a las normas tradicionales. La presencia del bote en el río, navegando con ligereza a pesar de un cielo posiblemente tormentoso, podría simbolizar la resiliencia humana frente a la adversidad, un tema recurrente en el arte romántico y fauvista. Además, la obra refleja el espíritu de Vlaminck como un «bárbaro tierno lleno de violencia«, según sus propias palabras, combinando sensibilidad y audacia en su enfoque pictórico.

Recepción y controversia

Cuando se presentó la obra , el Fauvismo aún era un movimiento controvertido. La obra, como otras de Vlaminck, fue rechazada por el público y la crítica conservadora, que la consideraban tosca y primitiva debido a su uso estridente del color y su falta de refinamiento. Sin embargo, los círculos vanguardistas, incluidos artistas como Matisse y Derain, reconocieron su audacia y su contribución a la renovación de la pintura moderna.

El cuadro fue adquirido por coleccionistas privados y eventualmente formó parte de imporrntes colecciones particulares antes de ser donada al Metropolitan Museum of Art en Nueva York, donde se exhibe actualmente. Su impacto en la historia del arte radica en su papel como un ejemplo temprano del Fauvismo y su influencia en movimientos posteriores, como el Expresionismo.